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  글로벌 드라마라고 하면 기대보다 실망이 먼저인 경우가 많지 않으셨습니까? 저도 그랬습니다. 그런데 이준기의 3년 만의 TV 드라마 복귀작이라는 소식을 들었을 때, 이번만큼은 그 공식이 깨질 수도 있겠다는 예감이 들었습니다. 오는 10월 채널A를 통해 공개될 <키드냅 게임>은 한국·일본·홍콩 3개국 제작진이 참여하는 다국적 프로젝트로, 이미 전 세계 18개 지역에서 방영이 확정된 상태입니다. 글로벌 제작: 세 나라가 손 잡은 배경 이 드라마를 만든 주체는 한국의 심스토리, 일본 후지TV, 홍콩 메이커빌입니다. 공동 제작(Co-production)이란 두 개 이상의 국가 또는 제작사가 자본과 인력을 함께 투입해 콘텐츠를 만들어내는 방식을 뜻합니다. 단순히 해외 배우를 섭외하는 것과는 차원이 다릅니다. 기획 단계부터 각국 방송사와 스트리밍 플랫폼의 요구가 반영되기 때문에, 이야기 구조 자체가 처음부터 다국적 시청자를 염두에 두고 설계됩니다. 배경도 아시아 7개 도시입니다. 서울, 도쿄, 타이베이, 싱가포르, 방콕, 나하, 마닐라가 무대가 되는데, 이렇게 여러 도시를 로케이션(Location) 배경으로 삼는 방식은 해당 지역 시청자들의 자국 감정 이입을 유도하는 동시에 글로벌 유통 가능성을 동시에 높이는 전략입니다. 로케이션 촬영이란 스튜디오 외부의 실제 장소에서 진행하는 촬영을 가리키는데, 현지감을 살리는 동시에 제작비가 상승하는 이유이기도 합니다. 솔직히 이 규모를 한국 단독 제작사가 감당하기는 어렵습니다. 세 나라가 손을 잡은 이유가 여기 있다고 봅니다. 글로벌 OTT 플랫폼은 아직 공개되지 않았지만, 18개 지역 방영 확정이라는 숫자는 꽤 의미 있습니다. 참고로 한국 콘텐츠 수출 규모는 지속적으로 성장하고 있으며, 한국국제문화교류진흥원(KOFICE)에 따르면 한국 방송 콘텐츠의 수출액은 꾸준한 증가세를 보이고 있습니다( 출처: 한국국제문화교류진흥원 ). 이 작품이 그 흐름에 얼마나 올라탈 수 있을지는 결국 콘텐츠 자체의 완성도에 ...

  오컬트 영화가 쏟아지는 여름마다 느끼는 건데, 정작 보고 나서 며칠씩 찜찜함이 남는 작품은 손에 꼽습니다. 제28회 부천국제판타스틱영화제 코리안 판타스틱 부문에 초청된 「신사: 악귀의 속삭임」을 직접 관람한 뒤, 그 찜찜함이 오래 남는 드문 영화라는 확신이 생겼습니다. 단, 모든 면이 완벽하지는 않았습니다. 공간감: 세트장과 실제 폐가는 스크린에서 이렇게 다릅니다 공포 영화를 자주 보다 보면 한 가지 패턴이 눈에 익습니다. 정교하게 만든 세트장은 어딘가 너무 깔끔하고, 빛의 방향도 계산된 느낌이 납니다. 일반적으로 세트 촬영이 통제된 환경에서 더 높은 완성도를 낸다고 알려져 있지만, 제 경험상 공포 장르만큼은 오히려 반대입니다. 「신사: 악귀의 속삭임」은 일본 고베 현지의 실제 폐가와 폐터널, 산길을 그대로 촬영 현장으로 활용했습니다. 오프닝 시퀀스에서 붉은 토리이(torii, 일본 신사 입구에 세우는 기둥문 형태의 문)가 프레임을 가득 채우는 순간부터 그 차이가 느껴졌습니다. 토리이란 신성한 공간과 속세의 경계를 상징하는 구조물로, 이 영화에서는 그 경계를 넘는 행위 자체가 공포의 출발점이 됩니다. 세월이 내려앉은 붉은 칠이 군데군데 벗겨진 실제 토리이의 질감은, 아무리 훌륭한 미술팀도 며칠 만에 흉내 낼 수 없는 것이었습니다. 미장센(mise-en-scène)이라는 개념이 있습니다. 미장센이란 프레임 안에 배치되는 모든 시각적 요소, 즉 배우의 위치, 조명, 세트, 소품까지를 통합적으로 설계하는 연출 방식을 뜻합니다. 구마키리 가즈요시 감독은 이 미장센의 밀도가 상당히 높은 감독입니다. 낡은 목조 건물의 삐걱거리는 질감, 산길을 타고 내려오는 습한 안개, 한낮인데도 어두운 신사 내부의 빛 처리까지, 카메라가 머무는 모든 공간이 그 자체로 하나의 공포 장치로 기능합니다. 제가 직접 극장에서 마주했을 때, 오프닝 10분 만에 등줄기에 냉기가 도는 걸 느꼈습니다. 이건 점프 스케어(jump scare, 갑작스러운 시각·청각 자극으로 놀라게 하...

  원작 애니메이션을 먼저 본 사람이 실사 영화를 보면 더 실망한다는 말, 정말 맞는 말일까요? 저는 아이들 덕분에 애니메이션으로 전청당 세계관을 먼저 접했고, 이번 주말 조조로 극장에서 직접 확인해봤습니다. 결론부터 말씀드리면, 예상이 절반은 맞고 절반은 틀렸습니다. 애니메이션 팬이 실사 영화를 보러 간 이유 《이상한 과자 가게 전청당》은 일본 작가 히로시마 레이코의 아동 판타지 소설을 원작으로 합니다. 원작 소설은 일본에서 누적 판매 1천만 부를 넘긴 시리즈로, 국내에서도 도서와 애니메이션으로 먼저 알려진 작품입니다. 저는 아이들이 집에서 애니메이션을 틀어놓는 걸 옆에서 보다가 자연스럽게 세계관에 빠졌는데, "이게 이렇게 기발한 설정이었어?" 하고 오히려 제가 더 몰입했던 기억이 납니다. 그러다 국내에서 실사 영화로 개봉한다는 소식을 들었을 때, 솔직히 반신반의했습니다. 원작 팬들 사이에서는 실사화(Live-action adaptation)에 대한 기대와 우려가 항상 공존하거든요. 실사화란 만화, 소설, 애니메이션 같은 2D 혹은 문자 기반 원작을 배우가 직접 연기하는 실제 영상으로 재현하는 것을 뜻합니다. 원작의 감성을 얼마나 살리느냐가 핵심인데, 특히 판타지 장르는 시각적 구현이 작품의 성패를 가르는 경우가 많습니다. 제가 이번 영화를 고민 없이 예매한 가장 큰 이유는 캐스팅이었습니다. 전청당 주인 홍자 역에 라미란 님, 그리고 욕망과 질투의 과자를 파는 화양당 주인 요미 역에 이레 님. 두 배우가 여성 투톱으로 극을 이끈다는 것만으로도 충분한 이유가 됐습니다. 라미란 님이 나오는 작품은 장르를 가리지 않고 믿고 보게 되는 게 제 오랜 습관이기도 하고요. 원작과 실제 영화, 무엇이 같고 무엇이 달랐나 일반적으로 원작을 먼저 접한 관객은 실사 영화에서 더 많은 아쉬움을 느낀다고 알려져 있습니다. 제 경험상 이번 영화는 그 공식이 완전히 들어맞지는 않았습니다. 원작의 판타지적 설정은 충실히 가져오면서도 한국적 정서로 재해석한...

  솔직히 처음엔 그냥 잔잔한 일본 로맨스 영화인 줄 알았습니다. 아무 정보 없이 재생 버튼을 눌렀다가 그날 밤 불도 못 끄고 눈만 말똥말똥 뜬 채 날을 샜습니다. 미이케 다카시 감독의 1999년작 영화 <오디션>은, 알고 보면 단순한 공포물이 아니라 인간의 욕망이 어떻게 파멸로 이어지는지를 아주 냉정하게 해부한 작품입니다. 2023년 국내 개봉 버전으로 다시 화제가 된 이 영화, 직접 보고 나서 느낀 것들을 솔직하게 풀어보겠습니다. 빌드업: 방심하게 만드는 게 전략이었다 일반적으로 공포 영화는 초반부터 으스스한 분위기로 관객을 잡아당긴다고 알려져 있습니다. 그런데 제 경험상 이 영화는 정확히 그 반대였습니다. 초반 1시간 이상이 드라마틱한 긴장감 없이 그냥 흘러갑니다. 중년 남성 아오야마가 친구와 밥 먹으며 재혼 이야기를 나누고, 오디션 자리에서 지원자들을 하나하나 훑어보는 장면들이죠. 솔직히 중간에 두 번은 정지 버튼에 손이 갔습니다. 영화 기법 용어로 이 구간을 서사적 빌드업(Narrative Build-up)이라고 합니다. 빌드업이란 클라이맥스 직전까지 긴장감을 천천히 쌓아 올리는 서술 구조를 뜻합니다. 일반적인 공포 영화에서는 음산한 BGM이나 갑작스러운 점프 스케어(Jump Scare, 갑작스러운 시청각 충격으로 관객을 놀라게 하는 연출 기법)를 활용해 빌드업을 채웁니다. 그런데 미이케 다카시는 아예 멜로물처럼 꾸며서 관객의 경계심을 완전히 무너뜨리는 방식을 택했습니다. 이 전략이 효과가 있었냐고요? 저는 제대로 당했습니다. 아오야마가 시이나 에이히가 연기한 야마자키 아사미에게 첫눈에 반하는 장면도 실제로 보면 꽤 설레게 연출됩니다. 청순한 외모, 조용한 말투, 발레를 했다는 과거. 그 어떤 수상한 징후도 없이 그녀는 완벽한 여자로 포장되어 있습니다. 그래서 더 무섭습니다. 제가 아오야마의 입장이었다면 저도 속았을 것 같았으니까요. 이 지점에서 영화는 이미 관객에게 도덕적 공범 의식을 심어두는 셈입니다. 참고로 미이케 다...

  솔직히 말하면 극장에서 <반도>를 보던 날, 저는 첫 장면부터 <부산행>을 자꾸 머릿속에 꺼내 들고 있었습니다. 코로나19가 한창이던 2020년, 텅 빈 극장 좌석 사이에서 혼자 팝콘을 먹으며 "이번엔 어떤 공포를 보여주려나" 기대했지만, 영화가 끝났을 때 가장 먼저 든 생각은 "이건 좀비 영화가 아니었구나"였습니다. 그 복잡한 감정을 오늘 차근차근 풀어보겠습니다. 팬데믹 속 흥행성적, 숫자가 말해주는 것 2020년 여름, 극장가는 말 그대로 얼어 있었습니다. 코로나19 여파로 관객 수가 전년 대비 반 토막 났던 시기에 <반도>는 개봉 첫날에만 35만 명을 동원하며 당시 개봉일 최고 기록을 세웠고, 4일 만에 100만 명을 돌파했습니다. 최종 국내 누적 관객 수는 약 381만 명으로 그해 박스오피스 3위에 올랐습니다. 전 세계 수익은 약 4,270만 달러입니다. 특히 베트남에서는 333만 달러를 기록하며 <기생충>을 제치고 역대 한국 영화 흥행 1위 자리를 차지했고, 대만·싱가포르 등 아시아 전역에서 오프닝 성적이 압도적이었습니다. 총 제작비 190억 원 기준 국내 손익분기점(BEP, Break-Even Point)은 약 250만~524만 명 수준이었는데, 쉽게 말해 그 기준을 통과하려면 국내외 수익을 합산해야 했고, 실제로 해외 흥행이 그 역할을 단단히 해줬습니다. 다만 저는 이 숫자 앞에서 한 가지를 짚고 싶습니다. 팬데믹 상황에서 381만 명이라는 수치는 분명 대단한 성과입니다. 그런데 이 숫자가 "영화 자체가 좋았다"는 증거냐고 물으면 저는 조금 다르게 봅니다. 당시 제대로 된 대작 경쟁작이 없던 시장 상황과, <부산행>이 쌓아놓은 팬덤 효과가 상당 부분 작용했을 거라는 게 제 판단입니다. 영화진흥위원회 통합전산망(KOBIS) 에서 확인할 수 있는 그해 박스오피스 데이터를 보면, 경쟁작 부재 속에서 <반도>가 독주했던 흔적이...

  전기 영화(Biography Film)는 실존 인물의 삶을 그대로 보여줄수록 더 감동적이라고들 합니다. 그런데 정말 그럴까요? 직접 보고 나서 그 믿음이 절반쯤 흔들렸습니다. 팝의 황제 마이클 잭슨을 다룬 영화 은 음악만큼은 압도적이었지만, 정작 그가 왜 시대를 바꾼 아티스트였는지에 대한 답은 생각보다 깊지 않았습니다. 잭슨 파이브, 그리고 어린 마이클이 짊어진 것들 영화 은 1960년대 인디애나주 게리라는 넉넉하지 않은 동네에서 시작합니다. 아버지 조 잭슨의 주도 아래 형제들이 모여 결성한 그룹이 바로 잭슨 파이브(Jackson 5)입니다. 이름에서 알 수 있듯 다섯 형제가 함께 무대에 오른 팝·소울 그룹으로, 1960년대 말 모타운 레코드(Motown Records)에 입성하면서 미국 전역에 이름을 알렸습니다. 모타운 레코드란 당시 흑인 음악 아티스트들을 주류 팝 시장에 진출시킨 레이블로, 미국 대중음악사에서 빼놓을 수 없는 상징적인 회사입니다. 일반적으로 잭슨 파이브는 밝고 경쾌한 성장 스토리로 기억되는 경향이 있는데, 저는 영화를 보면서 전혀 다른 감정을 느꼈습니다. 형제들이 무대에 오르기까지 겪었던 혹독한 훈련 장면이 연속으로 이어질 때, 솔직히 이건 예상 밖이었습니다. 단순히 엄한 아버지 이야기가 아니라, 한 아이가 어린 시절 자체를 통째로 반납하는 장면처럼 보였습니다. 마이클 잭슨은 그 중에서도 메인 보컬리스트(Main Vocalist)를 맡았습니다. 메인 보컬리스트란 그룹 내에서 리드 보컬로 곡의 중심을 이끄는 역할을 말합니다. 어린 나이에 무대 중앙에 서서 관중을 사로잡는 퍼포먼스를 선보이는 마이클을 보고 있으면, 대단하다는 감탄과 안쓰럽다는 감정이 동시에 밀려왔습니다. 남들이 동네에서 뛰어놀 나이에, 그는 이미 스포트라이트 아래에서 아버지의 시선을 의식하며 살고 있었으니까요. 이 시기를 다룬 장면들 덕분에 마이클 잭슨의 음악에 왜 외로움과 슬픔이 동시에 담겨 있었는지 조금은 이해할 수 있었습니다. 그냥 천재여서가 ...